Aunque sigo pensando que Catherine Hardwicke ha sido quien mejor ha sabido mostrar este universo (con la primera parte de la saga), he de reconocer que Slade sabe evitar los tópicos y salir airoso.

Las fans de Edward Cullen pueden estar más que satisfechas. Al contrario que en “Luna nueva”, donde la historia nos alejaba al señor Cullen de la pantalla, en esta tercera entrega retoma el lugar que merece en este cuento de vampiros, humanos y hombres lobos.

El bien, el mal, el amor, la pasión, el deseo, la furia, la venganza…todos los elementos victorianos tienen cabida en una historia universal que a más de una la dejará temblando.

No os la podéis perder.

“Dorian Gray” no llega a ser un fiel reflejo de la gran obra maestra que en su día escribió Oscar Wilde pero la adaptación es magnífica. Los elementos que incluyen dan más valor y enfatizan con fuerza el carácter de los personajes.  Ben Barnes (pese a ser moreno y no rubio con ojos azules como debiera) es uno de los mejores Dorian que he visto, lo que me hace pensar que tras papeles aventureros como los interpretados en “Stardust” y “Las Crónicas de Narnia”, ya está listo para dar el salto al drama. Estaremos atentos a su evolución.

Colin Firth está sensacional interpretando a Lord Henry Wotton, el mejor del cartel con diferencia. Han reflejado a la perfección esa dualidad hipócrita que representa su personaje, que encarna a esa sociedad corrompida que literalmente hace lo que quiere pero que siempre debe guardar las formas. Lo llevan a tal extremo que incluso su rostro termina al final del metraje reflejando esa dualidad.

Señalar que es un film algo casero en su diseño de producción pero que logra las cotas más altas posibles para su presupuesto. Estoy seguro que va a funcionar muy bien en taquilla y el boca a boca le hará ganar adictos a su historia. Juega muy bien a varias bandas, entre la filosofía, el thriller, el terror e incluso misterio.

No se vosotros, pero yo estoy deseando volver a leer la novela.

Me quedo con una de las múltiples citas que encierra esta historia, una historia de amor, de juventud, de belleza de la vida misma, de esa búsqueda de la eterna juventud y vigorosidad que tan de moda está ahora con el género vampírico y que por otro lado, tan acorde a los tiempos que vivimos.

Lord Henry Wotton y Dorian están en un café, Dorian observa a una chica, le gusta, quiere decirle algo pero descubre que va acompañada de un hombre y respeta esa distancia.

Henry Wotton le mira con gesto de reproche por no haber actuado. Dorian le responde -Probablemente sería su marido. A lo que Henry Wotton dice – Si, muy sensible Dorian. La gente muere de sentido común. Otro momento más de tiempo desperdiciado. No hay más allá. La vida es como una llama, hazla quemar siempre al máximo.

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A todo esto podemos añadir un diseño de producción modesto pero muy interesante y una banda sonora firmada por Angelo Badalamenti.

Con todo esto podemos pensar que el producto no podía estar mejor empaquetado. El problema lo tenemos con el relleno, que flojea y bastante. La historia juega a ser una especie de remake guionístico de “Expiación”, “Orgullo y Prejuicio” o cualquier otro producto made in Keira, porque aunque ella lo negara, está más que encasillada. Durante las dos horas de metraje no dejamos de escuchar sus típicas frases de “Vuelve a mí”, “estás temblando” y similares, que tantas veces escuchamos en sus films.

La relación entre los personajes no deja de sorprendernos con constantes incongruencias y sentimientos de postal. Por momentos uno parece estar leyendo una novela de Danielle Steel.

En resumidas cuentas, salvo que seáis unos románticos empedernidos y vuestra afinidad vaya más allá de una mera subjetividad, no perdáis el tiempo y el dinero.

Es verdad que la historia de “Alicia en el país de las maravillas” nunca fue un cuento muy apreciado por la infancia, tan cercano al surrealismo y con un fuerte carácter perturbador. Pero de todas formas su ambiente tan extraño, onírico y unos personajes tan estrambóticos despertaban cierta curiosidad en la aventura que retrataba.

En este caso, Tim Burton ha querido alejarse de otras versión anteriores, como la que ya Disney hizo en 1951, ofreciendo un tono más oscuro y cierto modo macábro. El resultado es más de lo mismo. Burton no cesa en su empeño de repetirse en si mismo una y otra vez, parece haber perdido la originalidad en sus obras. Nos ofrece unos escenarios muy agradecidos y un estilo visual enigmático pero tanto el ritmo como los personajes son de lo más insulso que haya podido hacerse. Johnny Depp, en el papel del sombrerero loco, no llega a alcanzar el grado de locura y disparate que se presuponía para el personaje. Puede que la clave de todo esto sea que Tim Burton no ha trabajado el guión y se ha limitado a representar el texto de Linda Woolverton y bajo directrices de la casa, la gran Disney.

El resultado final es muy claro, un producto palomitero, que entretiene a los más niños pero que cuyo interés desaparece con las letras de crédito. Es una lástima que directores con un sello tan personal terminen vendiéndose a este precio para recuperar su independencia creativa. Fiascos como el de “Sweeney Todd”, que con la taquilla doméstica no llegó a recaudar los gastos de producción, pasan factura a cualquiera. Esperemos que la próxima sea muy distinta. De momento, el 3D, ya sea real o falseado, surca los cielos de la taquilla. ¿quién será el próximo?

El carácter de Jackson queda reflejado desde el primer plano. Su sello personal está patente en cada fotograma. Su constante uso de angulares, planos cortos, el manejo del tiempo, donde a veces parece pararse en un instante y como si de un poema se tratase nos desvela cantidad de información en un segundo, y en general ese aura de transcendentalismo que tan bien sabe imprimir en la pantalla.

Juega con maestría con el paisaje onírico y las emociones, e impregna con gran verosimilitud los momentos más vibrantes. Sabe retratar de una forma muy especial los sentimientos, como aquel en el que el miedo te invade. Ese segundo que pasas de la inocencia a sentirte devorado por el terror y ves que no puedes escapar de él. Como retiene ese instante con la cámara, el ritmo, la música. Sin duda, un genio.

Pero a pesar de todo esto el film  sigue necesitado de algo más. Es verdad que nos brinda un final realista, terapéutico, de asimilación pero no convence. Creo que hubiera sido más acertado trazar la linea que cierra el circulo y ofrecer lo que el espectador espera y demanda. En cualquier caso el sabor agridulce está garantizado.

La caracterización de Viggo Mortensen es muy buena, realmente parece un esqueleto andante. Lástima no verle en los Oscar de este año. La película recoge un par de momento a recordar. El que más me gusta es aquel en el que el padre y el hijo comparten una cena en un refugio repleto de comida y en el que el joven hijo, nacido ya en este apocalíptico mundo, descubre un par de cosas que desconocía, como la botella de whisky que el padre no le deja probar porque le dice que se sentirá extraño, la Cocacola que tanto le sorprende por su sabor y el coqueteo de las burbujas o lo mejor de todo cuando su padre se enciende un cigarro y le dice -me miras como si viniera de otro mundo. Esta frase resume una realidad demasiado contundente como para ser cierta y esto provoca un momento verdaderamente poético y revelador.  El otro momento que me gustaría destacar es aquel en el que descubre a seres humanos tratados como ganado para ser alimentados. Quizá lo más duro del film.

Por lo demás, meramente un trámite para desembocar en un final predecible. Este el gran problema de las novelas de alto nivel, que la historia es prescindible y representar la calidad de las letras recogidas en sus páginas es un ejercicio casi imposible para una cámara porque son lenguajes totalmente distintos.

Por último destacar el papel español que juega el director de fotografía Javier Aguirresarobe, mostrando una luz fría, triste y en penumbra con una naturaleza gris y yerma. Maneja muy bien las emociones a través de la luz, dejando a los personajes sin a penas sombra en el rostro, alcanzando una difícil definición entre los dos puntos de luz. Propio de un mundo cultivado de muerte y miseria.

1.Leonardo DiCaprio: No me cansaré de repetirlo, es el mejor actor de su generación y junto a uno de los pocos maestros que todavía quedan en pie, hacen un tandem que espero que se repita lo antes posible. La credibilidad de Leo roza la excelencia, se cuentan con los dedos de una mano los actores en activo que tienen esa virtud. Dispone de mil registros interpretativos, jamás sentirás que sobre actúa o que la escena le viene grande. Tiene varios momentos memorables y lógicamente, para evitar destriparos la película, no diré mucho más. Simplemente quedarme con ese momento tan dramático del final en el que te pone la piel de gallina y llega a quebrarte el corazón. Desde aquí y ahora mismo, propongo a Leo para el Oscar ¡ya!.

2.Fotografía: Últimamente estoy disfrutando mucho de la fotografía en la gran pantalla y todavía me falta “The Road” del español Javier Aguirresarrobe, pero es que Robert Richardson llega a conseguir que te pierdas en la profundidad de los planos. Habitual de Scorsese y de Tarantino, que también es el responsable de la fotografía de “Malditos Bastardos”,nos deja unos claroscuros increíbles, así como el manejo de la profundidad de campo, las nieblas (ya le hubiera gustado a Amenábar esta atmósfera para “Los Otros”), las luces duras y los contrastes.

3. Dirección: Que puedo decir que no hayáis visto ya. Quiero destacar la colección de planos aéreos y cenitales (muy Hitchcockianos) que con mucho acierto selecciona para el montaje final. El ritmo es pausado pero sin perder un ápice de la intriga e incentivando por momentos la curiosidad del espectador, dando pequeños saltos bruscos en la trama para provocar el sobresalto.

4.Montaje: Thelma Schoonmaker es la responsable. Ganadora del Oscar por “Infiltrados”, y que también editó “El aviador”, es una habitual de Scorsese, y no es para menos. La alternancia entre las diferentes realidades del film, los sueños, los recuerdos y en definitiva la verdad sobre la vida, son excelentes. No hay un sólo minuto de montaje que se salga de la tónica y haga cojear al resto. La credibilidad es absoluta.

5.La historia: Es la primera vez que veo retratadas las enfermedades mentales con tanta maestría. Esto demuestra que no hacen falta grandes artificios ni montajes surrealistas como hacen algunos directores (véase Charlien Kaufma por nombrar uno). El guión traza una línea y un manejo de los recursos cinematográficos que te dejan boquiabierto. Los últimos 20 minutos me dejan sin palabras, así como ver como juega en ambos bandos haciéndote dudar, para terminar siendo un fiel reflejo de la realidad que retrata el film.

6.Metáforas: La mejor sin duda alguna es la del faro, que muestra la soledad inerte en la que puede llegar a desarrollarse la vida. La muerte, la huida y a la vez la oportunidad y curiosidad por otras vidas, por otros mundos. También tenemos muy presente el reflejo de la sociedad americana de los 50, aquella a la que se le caía el mito, que descubría que no todo era tan maravilloso y se daba de bruces con la realidad.

La única pega se le puede poner al score de la primera parte del film, que goza de un protagonismo que no lo merece, distrayendo en cierta medida al espectador. La cuestión es que una vez que aparece el tema “On the nature of daylight” de Max Richter los sentimientos afloran para quedarse hasta el final. En definitiva, creo que es una de las mejores películas de Scorsese, así como la interpretación de Leo, que desde sus primeros films (previos a Romeo+Juliet) no alcanzaba este nivel interpretativo (salvaguardando distancias con “El Aviador” o “Diamantes de Sangre”, algunas de las más recientes). Espero que pase mucho tiempo en quitarme de encima esta dulce y melancólica sensación que te deja el film y espero que todas mis opiniones vertidas estén a la altura que este film se merece. Yo no perdería un segundo más e iría volando a la taquilla a comprar una entrada.

Así que, con todo esto, si fuera el profesor y la película mi alumno le pondría un 4,5 de esos que subes a 5 porque el alumno mostró interés.

Clint Eastwood no defrauda y nos muestra un film con aires de grandeza y cierto trasfondo bajo el hilo sensiblero y romántico tan habitual en él, es decir, esos planos estáticos, de mirada perdida y música de trompeta solitaria o teclado perdido.

Pasa, en cierto modo, de puntillas por la dramática vida de Nelson Mandela y esto es algo que alguna voces le han criticado, aunque creo que vemos de Mandela justo lo que la historia nos demanda,  porque sus pretensiones no son dibujarnos con tiralíneas la biografía de Nelson Mandela o el Apartheid en Sudáfrica, sino más bien mostrar una historia de humanidad, de esperanza, de perdón y de grandeza.

Eastwood abusa de algunos recursos, como los reiterativos planos de las grandas del campo de rugby (siempre los mismos) o de esos planos tan suyos que antes comentaba, donde la música y la emoción se funden.

Destacables son las constantes reflexiones en voz alta del mismísimo Mandela, el acento logrado por Morgan Freeman y Matt Damon o la escena final del partido y el efecto que provocan los créditos finales con las imágenes reales.

Está claro que dentro de esa mirada dura y fría de Eastwood hay un corazón muy romántico ya que últimamente no cesa en su empeño de traernos historias de superación con final feliz. Veremos que hacen en los Oscar.