Category Archives: Drama

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Miele

“Miele” es la ópera prima de la actriz italiana Valeria Golino en la dirección. Su película fue presentando en el último Festival de Cannes y esta semana llegará a nuestros. El tema que trata es bastante peliagudo, de ahí que sea una cinta que no termine por convencer a todos los espectadores. La eutanasia.  La protagonista de la película, Irene,  es un ángel de la muerte que se mueve en una organización que facilita la eutanasia a pacientes terminales. En una primera parte el debate se centra en los hechos, en el acto, pero siempre desde un punto de vista lo más neutral posible, dejando al espectador que juzgue por sí mismo.  Cuando la trama se complica y se adultera el sentido de su trabajo la directora da un giro hacia el interior de la protagonista, de sus anhelos, inquietudes, apoyada en la imagen que toma un carácter más poético. Largos planos, silencios y sobretodo apasionadas aventuras amorosas que complican más aún sus devenires por la vida.

En  definitiva nos encontramos con un film que habla con libertad, que muestra un escenario en el que el ser humano debe ser libre para decidir sobre su vida, una  historia en la que la muerte esta muy presente y esto a la vez hace que nos aferremos más a la vida y sus emociones, un contraste de sentimientos que Valeria Golino ha sabido tratar muy bien.

Sin duda esta es la apuesta cinematográfica para aquellos que queráis saliros este fin de semana del star system.

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Blue Jasmine, la crítica

En una semana de reencuentros con el buen cine revisamos “Blue Jasmine”, la última película del maestro Woody Allen con Cate Blanchett en el papel que le ha valido un segundo Oscar en su magnífica carrera interpretativa.

Al igual que la buena literatura la historia transcurre a través de las pasiones humanas, los sentimientos y el retrato de nuestra sociedad, sin importar de donde viene y a donde va la historia. Curiosamente el drama se narra en la ciudad de San Francisco, famosa por atraer indigentes a sus calles por los subsidios que allí reciben, situación a la que parece abocada la protagonista.

Jasmine French (Cate Blanchett) es una dama de la alta sociedad neoyorquina caída en desgracia. Casada con un mago de las finanzas interpretado por Alec Baldwin, Jasmine se traslada a San Francisco a casa de su hermana Ginger donde tratará de recuperarse de una crisis nerviosa y empezar una nueva vida.

La historia de su pasado y su presente se van narrando en un montaje paralelo, orquestado por el baile emocional de Cate Blanchett que poco a poco va sumiéndose en la desesperación por la vida perdidad y por el presente y futuro que se le presenta. La película es totalmente ella y aunque los secundarios aportan algo de humor no hay cabida para nada más.

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Capitán Philllips, la crítica

Para aquellos que no hayáis visto todos los títulos de los OSCAR de este año, seguramente tendréis entre los pendientes esos títulos que parecen algo menores, veáse el “Capitán Phillips”. Para vuestra sorpresa os puedo decir que es uno de los mejores títulos que se han estrenado en 2013.

Narra la historia real del buque de carga “Alabama” en aguas de Somalia, en la que unos pescadores convertidos en piratas secuestran al capitán del barco. Lo que parece ser un argumento fácil y previsible se convierte en toda una epopeya cargada de tensión y ritmo y lo que parece ser un interminable asalto al barco se resuelve con brío ante el secuestro que está por venir.

Paul Greengrass está más que comedido con su habitual uso de planos absorbente, muy cortos y de rápido movimiento. De hecho no parece él quien estuviera detrás sino fuera por el excelente uso del ritmo y la tensión dramática.

Deja de un lado lo que podría ser una película más violenta y de acción por adentrarse con acierto en el perfil más emocional y psicológico de los protagonistas. La música y el sonido juegan un papel fundamental en la trama, marcando un ritmo hipnótico en su desenlace, llevando a la desesperación.

Otra de las virtudes del film es su clara posición neutral ante los hechos, siendo más proclive a la denuncia, tanto de la situación de los secuestradores de Somalia, pescadores víctimas de los señores de la guerra y del primer mundo que saquea sus aguas dejándoles sin opciones para ganarse la vida, pasando poro la tripulación del Alabama, ajenos a todo tipo de disputas e intereses económicos, siendo meros marinos que trabajan para ganarse la vida, hasta los Marines abocados a tener que llevar hasta las últimas consecuencias una acción de intervención claramente desigual.

Una historias de víctimas, donde los verdaderos verdugos no aparecen y se van de rositas. Hubiera estado bien haber visto algún despacho en toda esta trama.

Una película que os sorprenderá y recomiendo encarecidamente.

Sorprendente4 Stars

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Her, la crítica

La última película de Spike Jonze es de esas que quedan en el recuerdo por haber sabido reflejar, como pocas, el futuro cercano al que la humanidad avoca.
El arranque del film es magistral, en los primeros veinte minutos despliega todo el abanico de tecnologías de la comunicación existentes y cómo estas nos facilitan la vida en un mundo futuro. Todo de una forma sutil, sin la pretensión de ese cometido, pero que nos sumerge en una realidad futura que cuanto menos resulta inquietante. Me recuerda en parte lo que supuso “Minority Report” de Spielberg, pero en esta ocasión es un futuro más realista, por lo temporalmente cercano que es. Es como esos anuncios de las nuevas tecnologías de la comunicación de los próximos 20 años que nos dejan boquiabiertos.

Una vez puesto de manifiesto este universo, en el que cada detalle cuenta, entramos en la parte más humana, en la dimensión social del asunto. Como buenos seres sociales que somos necesitamos de la comunicación, de relacionarnos con otras personas, de poder hablar sobre nuestros sentimientos, de formar parte de un pequeño universo de personas. Aquí la historia desemboca en la realidad en la que cada vez estamos más envueltos, en la de convertirnos en islas, en nuestro camino hacia la singularidad. Aquí entra en juego el sistema operativo de inteligencia artificial al que da vida Scarlett Johasson, (le valió el premio a mejor actriz en el Festival de Roma) de la que sólo escucharemos su voz. Tras una rápida puesta en marcha, en la que se sincroniza con su correo electrónico, domótica de la casa, etc… comienza a relacionarse con el protagonista y las propias experiencias irán marcando la evolución de su personalidad. Como si de un humano se tratase.

En este punto nos encontramos con la virtud del director y guionista Spike Jonze, que retrata todas las fases del enamoramiento, pero entre un humano y un sistema operativo, y de la ruptura que el humano sufre con respecto de las relaciones con humanos.  Todo ello sin dejar fuera de juego el marco tecnológico en el que nos encontramos, que de forma hábil llega a mostrarse, aunque sea en forma de videojuego. Aquí el entorno si importa, porque las relaciones no son humano-humano, es humano-máquina.  Y esta es una realidad a la que tarde o temprano tendremos que enfrentarnos, por ello resulta tan sugerente e inquietante la premisa que plantea esta película, porque a no mucho tardar ocurrirá.

Si la puesta en escena de la película es espectacular,  mostrando cada detalle de las interfaz y de como esas realidades que predecimos en las que ya no hay ratones ni teclados se materializan de forma muy creíble en la pantalla, no podemos dejar pasar por alto el desenlace, en el que unas pocas palabras con amplio sentido poético cierran esta historia en la que el hombre rompe con lo que ha sido hasta ahora y se lanza a la aventura, hacia un camino por explorar y conforme a ese viejo espíritu aventurero que todavía conservamos.

Estreno 21 de febrero.

Sorprendente4 Stars

12yearsaslave

12 años de esclavitud, la crítica

Una vez más, aprovechando la celabración del “Community Day”, momento en el que nos juntamos todos los blogueros colaboradores con Sensacine, tuvimos la oportunidad de acceder a un pase especial y en exclusiva para nosotros, acompañado de una deliciosa invitación para comer, en la que pudimos intercambiar nuestras opiniones al respecto. Una experiencia única de la que Sensacine nos hace participes en esta comunidad de amantes del cine.

El 13 de diciembre llega a nuestras salas una de las mejores películas del año, “12 años de esclavitud”, del magistral director Steve McQueen, director británico, que ya dio mucho que hablar con “Shame” y que con su nueva película va a enmudecer las salas de cine de medio mundo. Su primer trabajo más comercial va ir directo a los Oscars, no sólo por su dirección, montaje, guión…sino por las brillantes interpretaciones que demuestra.

Partiendo desde el principio, lo más increíble es que esta historia ha sido real, el personaje de Solomon Northup fue real. Solomon fue un hombre libre del norte de los EEUU que en la época de esclavitud fue secuestrado y llevado al sur como esclavo, donde pasó 12 años de amo en amo hasta alcanzar su libertad.12

Chiwetel Ejiofor, el actor que da vida a Solomon Northup, es uno de los interpretes masculinos, junto a Michael Fassbender que sin duda veremos en las nominaciones a los Oscar por su interpretación. Desde posiciones totalmente opuestas ambos reflejan la dureza de sus sentimientos con miradas y silencios que son aterradores. Hacía mucho tiempo que una película no dejaba clavado en su butaca al espectador como lo hace esta. Su dureza es directa, clara, indignante, humillante , sin tregua alguna. Su brutalidad es magistral porque no cae en el sensacionalismo, en la intencionalidad hacia el espectador, se muestra con un documental de naturaleza, tal cual es la vida y las miserias del ser humano.

Pese a esta atrocidad y visceralidad hay algo que no termina de encajar para ser una obra maestra. Como espectador te sientes en la distancia, no terminas por profundizar en los personajes, en su historia, su pasado, y no será porque no se muestren elementos para ello, pero esa sensación queda de manifiesto.

Mención aparte me merece el papel interpretado por Lupita Nyong’o, que da vida a Patsey, una de las esclavas que se cruza en los últimos años de esclavitud de Solomon. Esta actriz tiene garantizado el Oscar a la mejor actriz de reparto. Hace mucho tiempo que no se ve una interpretación de tal magnitud. Su papel es el más duro de todos, el más doloroso y desesperante, el resultado de un mundo, que por desgracia, todavía tiene cabida en este planeta y por lo que deberíamos luchar para su destrucción.

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La dirección de Steve McQueen es brutal. Mezcla lo mejor de genios como el de Steven Spielberg, por la sensibilidad que demuestra con este tipo de historias tan humanas y a la vez con el misticismo y poesia de genios como el Terrence Malick. Es una de las conjunciones más increíbles que he visto en mucho tiempo. Como juega con los detalles, con esas miradas evocadoras, en como se detiene en un pequeño detalle cargado de significado, en como contrasta con la belleza de la naturaleza toda esa maldad del ser humano, en como unas lágrimas pueden llegar a decirnos mucho más que 20 páginas de guión. Es un director que debemos tener mi anotado en nuestra lista de “a seguir”, porque seguirá dando trabajos brillantes.

El montaje es otro de los aspectos que más debemos tener en cuenta de cara a los premios. Como secuencia la historia, y como juega con esos plano-contraplano son merecedores de premio.

En el aspecto musical no podemos olvidarnos de Hans Zimmer, que ha compuesto una de las piezas más bellas de este año, que tiene como título “Solomon”.

En resumen, puedo deciros que esta película, junto a “Gravity”, son las dos mejores apuestas de 2013 que de momento he visto. Es una película muy dura, de las que marca y deja huella, pero pertenece a una memoria que no debemos olvidar, porque olvidar es tentar al pasado, a que se vuelva a repetir por ello, y pese al dolor que pueda producirnos, es una historia tan dura y a la vez esperanzadora, que merece la pena verla. Una historia que os dejará mucho diálogos para el recuerdo y un retrato del mal que se confiesa culpable.

Imprescindible 4.5 Stars

Rush

Rush, la crítica

Este fin de semana se estrena “Rush”, la última película del director Ron Howard (Splash, Willow, Apolo 13, Una mente maravillosa, El Código Da Vinci) e interpretada por Daniel Brühl, Chris Hemsworth (marido de Elsa Pataky y actor que da vida a Thor) y Olivia Wilde.

Gracias a nuestros amigos de Sensacine tuvimos la oportunidad de ver la película antes de su estreno y nuestra sorpresa ha sido muy favorable. Tratándose de este director y el escaso presupuesto de 38 millones de dólares podría pensarse que algo justo andaría, ya que un circo como el de la Fórmula 1 y la cantidad de grandes secuencias y amplios planos que se presupone necesitan de muchos billetes verdes. En este caso no ha sido necesario. De entrada la primera sensación nada más empezar la película es de gran realismo, lejos de los grandes artificios del género donde se pierde esa naturalidad de la velocidad en favor del espectáculo y terminas teniendo la sensación de estar en una montaña rusa de la Disney. Aquí no pasa eso, aquí vas en el coche. Ron Howard se encarga de hacernos sentir un coche de los año 70.  Que por otro lado logra esa atmósfera casi sin despeinarse, sin necesidad de un pase de moda de los 70 ni grandes atrezzos para que al espectador le quede claro donde esta.

La película se centra en el duelo que mantuvieron en lo deportivo James Hunt y Niki Lauda, dos grandes pilotos que terminaron siendo ambos campeones del mundo. Cada uno de ellos refleja dos formas distintas de ver la vida y esto es en lo que se centra la película, más que en las carreras y la adrenalina a tope.

Si en “Pain and Gain” había dos tipos de personas, los hacedores y los que no hacen nada, aquí tenemos por un lado a Niki Lauda, que representa a esas personas comprometidas con su trabajo, eje central de su vida, que viven por y para lo que hacen, que son puro control, muy cerebrales y lo más cercano a una máquina autómata. Por otro lado tenemos a James Hunt que refleja ese perfil más aventurero, de quien gusta ganar pero disfruta celebrando los éxitos, dejándose llevar por lo sentidos, la pasión, sabiendo disfrutar de la vida más allá de las reglas y rutinas que otros nos marcan.

Ambos se encuentra en polos opuestos pero a la vez se necesitan. Se necesitan para tener un motivo por el que luchar por la victoria.

Los que no conozcáis esta curiosa historia os animo a que veáis la película y hagáis vuestra propia lectura.

Respecto de las interpretaciones ya se está hablando de que Universal Pictures posiblemente defienda la candidatura de Daniel Brühl para ser nominado al Oscar a mejor actor secundario, por dar vida al mítico Niki Lauda.

Algunos medios han dicho: “The Independent”: La rivalidad entre Hunt y Lauda emociona y fascina.

“Variety”: No sólo es una de las grandes películas sobre carreras de coches de todos los tiempos, sino una virtuosa obra cinematográfica, con las dos interpretaciones más convincentes del año.

Por cierto, ojito con la banda sonora de Hanz Zimmer y sus similitudes con “Juego de Tronos” y su tema “Las lluvias de Castamere.

Para finalizar os dejo con un tributo a Niki Lauda que he encontrado en youtube, espero que os guste.

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5 razones para ver Guerra Mundial Z

Algunos de vosotros os estaréis preguntando porque “Guerra Mundial Z” está corriendo tan bien con el boca a boca, ya que cuándo veis el trailer en televisión os dan ganas de todo menos de entrar a la sala a ver una película de zombies, de los que seguramente el guaperas de Brad Pitt se pase todo el metraje corriendo para evitar se comido.

Pues bien, os voy a dar 5 razones para convenceros para ir al cine a ver la película.

En primero lugar; la película toma como excusa el creciente fanatismo por el fenómeno Zombi, pero esto no quiere decir que sea una peli de zombies al uso. Tiene un poco mezcla de todo, pero a lo que más me reuerda es a “Contagio” de Steven Soderbergh, incluso la música que compuso Cliff Martinez para esta película me recuerda al tema de “The Evolved” para GMZ, que está durante todo el metraje, siendo la seña de indentidad del film, lo que también me recuerda mucho al “28 semanas después” de J.Carlos Fresnadillo.

La película se mueve entre el cine de catástrofes, amenazas Extraterrestres y el cine de acción propio del verano.

En segundo lugar: Es entretenida de principio a fin. No existen abusos digitales, aunque el trailer los aparente. La acción es continua, contenida y no trata de estúpido al espectador, aunque alguna de las escenas pueda carecer de cierta credibilidad o falta de realismo en sus emociones (el supermercado).

En tercer lugar: Porque vais a ver el mejor Spot publicitario de Pepsi en toda su historia. Esta es una pequeña joyita que descubriréis en el desenlace de la película.

En cuarto lugar: Porque escuchar el único párrafo de guión que tiene el personaje que representa al experto en virus de Harvard  te deja helado por su sinceridad y visión tan peculiar de la madre naturaleza. Os lo reproduzco “Mother Nature is a serial killer. No ones better, or more creative. Like all serial killers, she cant help but have the urge to get caught or what good would all those brilliant crimes do if no one takes the credit? So she leaves crumbs. Now the hard part, is seeing the crumbs, the clues there. Sometimes its in your thoughts where the most brutal part of a virus is. Turns out to be the chink in its armor. And she loves disguising her weaknesses as strengths. She’s a bi..”

Viene a decir que la madre naturaleza es una asesina en serie, pero como suele pasar con estos, tienen una debilidad y es que desean ser atrapados, que se descubra quien es el responsable. Para ello van dejando pistas que hay que saber ver y suele pasar que cubren sus debilidades con sus aparentes fortalezas.

Este discurso es apropósito del virus que está desolando el planeta.

Y en quinto lugar: Porque aunque no contenta a ninguno de los extremos, al ser una amplia mezcla de varios géneros, te mantiene atrapado en su trama con la que trasmite lo agónico que puede llegar a ser una situación de caos total como esta, algo que normalmente este tipo de cine no logra trasmitir más allá de los dos planos generales con algún edificio mítico derruido.

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Casino: La mejor película de juego

En un reportaje de la web Casino Top hemos tenido la suerte de ser mencionados por nuestras críticas vertidas sobre “Casino” la película de Martin Scorsese, que según esta web parece haberse convertido en la mejor película de juego de la historia.

Os dejo nuestra crítica completa, pero podéis leer las menciones a Historias de CINE en este link.

Si hablamos de películas relacionadas con el juego y los casinos “Casino” de Scorsese es la obra maestra por excelencia. Reúne la esencia de títulos como “Uno de los nuestros”, del propio Scorsese, donde la  violencia se centra en las mafias de barrio, a un nivel más localista, o títulos como el “Padrino” donde el juego y la mafia se institucionalizan en los Casinos de Las Vegas, como reflejo de la propia sociedad de ese momento.

“Casino” juega en ambos lados, goza de un poderoso guion, de una historia complicada a tres bandas, como si de un drama Shakespereano se tratase, donde los personajes Ace Rothstein, Nicky Santoro y Ginger McKenna, interpretados por DeNiro, Joe Pesci, y Sharon Stone tienen  luchar consigo mismos, entre ellos y por la propia supervivencia de su negocio, que vive el declive del control de la mafia. Todo ello aderezado con la brutalidad y violencia que el cine de Scorsese acostumbra, mostrando ese lado tan obsceno de la realidad, el que muchas veces cuesta ver y miramos a otro lado.

A esto añadimos una increíble puesta en escena, con una brillante iluminación y coreografía musical. Difícilmente puede pasarse por alto ese arranque con Bach de fondo y la voz en off  de Nicky Santoro.

Una película cargada de simbología y reflejo de un mundo decadente, ejemplificado con esos minutos finales en los que termina viéndose caer a los viejos casinos, marcando el fin de un glorioso desajuste y frenesí de vanidades donde los excesos y la violencia vienen a determinar los límites, como siempre ha pasado a lo largo de la historia. En definitiva es una película que engancha desde el primer instante, por la atracción de sus personajes, por la fuerza dramática que acompaña a la acción y porque mantiene el pulso de la tensión creando un ritmo absorbente y delirante que te atrapa de principio a fin.

 

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Trailer de Gravity

Ya tenemos disponible el trailer de la próxima película de Alfonso Cuarón, “Gravity”, con Sandra Bullock y George Clooney. Cuenta la historia de una astronauta superviviente de un accidente espacial que luchará por regresar a casa con su hija.

Esta es una de las películas que hablamos en su día que sería uno de los estrenos del año.  Aunque el tema espacial pueda darnos señales de película de ciencia ficción, tratándose de Cuarón está claro que la historia tomará otros derroteros, más bien por el camino del sentido de la vida, de nuestra insignificancia ante el inmenso Universo y de lo vulnerables que podemos llegar a ser ante incluso nuestra propia naturaleza humana.

Las imágenes que podéis ver a continuación son el fiel reflejo de esos sentimientos. Un trailer espectacular por la sencillez y realismo con los que se retrata el accidente.

Una película que debéis marcar en vuestras agenda, porque aunque no os dará las respuestas sobre el sentido de la vida, ofrecerá muchas pistas sobre el camino que debemos trazar.

La fecha; el 4 de octubre


 

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Días sin huella

Nunca una adaptación de un título había sido tan poético y acertado, porque del “The Lost Weekend”, El fin de semana perdido (traducción literal) al “Días sin huella” hay mucho recorrido y refleja mejor el problema del alcoholismo y la esencia del film.

En 1945 Billy Wilder nos presentó una película con la que ganó los 4 grandes, el Oscar a mejor película, dirección, actor principal y guión.

Esta película fue una adaptación de la novela de Charles R. Jackon y se convirtió desde el día de su estreno en la mejor película como crítica al alcoholismo. Títulos como “Leaving Las Vegas” distan bastante del talento puesto en esta cinta, el mayor alegato contra este mal que el actor Ray Milland interpreta magistralmente, expresando fielmente cada una de las fases que un adicto al alcohol sufre durante su peregrinaje enfermizo.

Ya desde el arranque del film atrapa al espectador, con ese travelling de la ciudad que termina sobre la ventana del apartamento del protagonista, donde una botella cuelga de la ventana como antesala del mal que aquejará al personaje. El protagonista pasa por todas las fases, la de negación, ira, sufrimiento y descontrol total de la situación para terminar dando un aire de esperanza, a su vida y al espectador.

Quizá este puede ser el único reproche que podría hacerse a este magnífico guión y especialmente el montaje. Es la forma en que terminan resolviendo el drama del alcoholismo, con un alegato final, donde el protagonista junto a su novia parece estar dispuesto a echar definitivamente su vida por la borda pero se acomete un giro, contrario al sentido marcado, que lo lleva a intentar recuperar la vida que había perdido.

Algunas de las frases resultan inolvidables, como por ejemplo:

Escena comprando botellas, entre el protagonista, Ray Milland (Don Birnam) y el propietario de la licorería, Eddie Laughton (Sr. Brophy):
Don.— Dos botellas de aguardiente.
Sr. Brophy.— ¿De qué marca?
Don.— Ya sabe la marca, Sr. Brophy. La más barata. Los licores de 12 años de antigüedad en barriles de madera no son para mi. El alcohol es el mismo en todos.
Sr. Brophy.— ¿Quiere una bolsa? Su hermano dijo que no le vendiéramos ni aún pagando. Pero yo no puedo impedirlo, a menos que sea usted menor de edad.
Don.— No soy un menor y tenga tranquila su conciencia, esto me lo llevo para recargar mi mechero.

La película tuvo muchos problemas para poder estrenarse, incluso hubo presión por parte de las marcas de bebidas alcohólicas que llegaron a ofrecer la cifra de 5 millones dólares para que no se estrenara. También hubo presión por parte de otros grupos. Hay que tener en cuenta que la época de la ley seca todavía estaba muy reciente. De todas formas y pese a las presiones la cinta se estreno, pero Paramount no tardó en retirarla del cartel. 1945 no estaba preparado para estas críticas tan abiertas y bien planteadas.

Es una película contundente en la que Billy Wilder se atreve a mostrarnos la desesperación y la angustia a la que una enfermedad como esta te puede llevar. Como dice su protagonista,  “Por la noche, sólo es un trago, por la mañana, una medicina”, no se podría expresar mejor.

Par terminar os dejo con otro pequeño fragmento de la película entre la Don y Helen como reflejo de lo que uno puede aguantar por amor.

Escena entre Ray Milland (Don Birnam) y su novia, Jane Wyman (Helen St. James):

Helen.— ¿Serás bueno, verdad cariño?
Don.— Si Helen. ¿Pero podríais dejar de vigilarme todo el tiempo? Dejar que lo haga a mi manera. ¡Lo estoy intentando!
Helen.— Ya sé que lo intentas, Don. Los dos lo intentamos. Tú intentas dejar la bebida… y yo intento no dejar de amarte.