En cuanto a Leonardo la historia es distinta. Es verdad que la caracterización es muy agradecida e influye en su interpretación, pero no está al nivel que nos tiene acostumbrados. Quizá sea lo que tienes ser el mejor actor de su generación, que en cuanto bajas un poco el nivel y aunque sigas estando por encima de la media, ya no se te valora igual.

“J.Edgar” nos cuenta la historia de la evolución de un personaje que llegó a convertirse en una de las personas más influyentes en la política de Estados Unidos, como director del FBI, agencia que consigue llevarla de la nada a lo que es hoy en día.  La película llega a tener un toque teatral, con excesivas escenas en la que Leonardo relata un mismo discurso repetidamente. A esto añadimos una falta de identificación con el entorno y los acontecimientos. Quizá este puede que sea el punto que encierre la clave de la película. Se centra demasiado en el personaje de J.Edgar y sus relaciones personales, olvidando el desarrollo de una trama conductora y de los hechos históricos que lo envuelven.

Ver resto de la ficha y sinopsis de la película. 

El guión de la película es senscional y hay más de un momento que es de esos que anotarías rápido en tu libreta de mano, como aquel de “dale a tus hijos lo suficiente como para que puedan hacer algo en la vida, pero no demasiado como para que no hagan nada”.  ”Los Descendientes” es un bello paseo costumbrista por las relaciones de pareja y las de padres e hijos y como los padres deben enfrentarse a ese mundo adolescente en continuo cambio y contraste.

Es verdad que George Clooney se defiende muy bien en este papel, pero tampoco resulta lo suficientemente dramático o elaborado como para ser la mejor interpretación del año. En resumen creo que es una película muy agradecida, donde la vida, la muerte y el amor juegan sus cartas con realismo y nos ofrecen un hermoso pasaje de varias etapas de la vida y de esas situaciones dramáticas que siempre nos tocará vivir tarde o temprano.

Y sin olvidarnos del marco idílico, Hawai.

Leer sinopsis

Sobre el origen de esta saga literaria poco o nada puedo añadir. No disfruté de las novelas, ni de las películas originarias suecas ni de la serie para la televisión. Lo que si puedo añadir es que David Fincher y especialmente su guionista Steven Zaillian, que este año estará entre los favoritos por “Moneyball” y que fue responsable de grandes títulos como “La Lista de Schindler”, “Gangs of New York” o “American Gansgter”, sintetizan de forma extraordinaria toda la información sobre la investigación que transcurre en la historia que narra la película. Sin conocer las novelas uno rapidamente se da cuenta de que aquello debe ser muy denso y que la película recoge minuciosamente los detalles que narra.

“Millennium” retrata perfectamente esa historia de asesinos y mentes perversas que a Fincher tanto le gusta, especialmente en esta atmósfera tan fría y calculada como es la nórdica, donde las perturbaciones de la mente son cultivadas entre los frios muros de la soledad escandinava.

Si os gusta el thriller, la investigación periodística y criminal, las atmósferas oscuras y la venganza fría, esta es vuestra película de la semana.

La primera la del ascensor, al menos los primeros cuarenta segundos de la misma. Justo en ese momento en que parece detenerse el tiempo por un beso.

La segunda es la puesta en escena de Ryan Gosling, ese knight rider de la noche, perseguido por la policía.

Estamos ante la que posiblemente sea la mejor película del 2011. Sensacional, brillante, un ejercicio de dirección como hacía tiempo que no veía.

Arranca el film con unos fantásticos créditos estilo ochentero y el tema musical “nightcall” con la ciudad de Los Ángeles de fondo que dejan desde el primer instante al espectador sumido en un sueño. Te atrapa y hace que se detenga el tiempo. Los primeros diez minutos son brutales, con dos frases en off de Ryan Gosling que no vuelve a tener palabra tras pasado un buen rato. La música nos sumerge entonces en esa atmósfera de tensión en la que nos van a plantear como se gana la vida el protagonista.

No he tenido la fortuna de ver trabajos anteriores de Nicolas Winding Refn, director danés de películas, como “Bronson”o “Valhalla Rising”, pero tiene pinta de haber puesto todo su potencial sobre la mesa con esta historia. Es uno de los mejores ejercicios de dirección que he visto en mucho tiempo (desde el Cisne Negro de Aronofsky). Cada secuencia parece coreografiada al milímetro. La composición de planos es magistral, especialmente el manejo que muestra de los tiempos, dando la sensación continua de detenerlo y jugar con un elemento que me fascina como es esa idea de  calma antes de la tempestad, cargando así de dramatismo y emoción la escena completa. Parece un continuo baile de miradas, emociones, de sentimientos contenidos que finalmente se expresan con violencia, marcando una sutil danza entre el romanticismo y la propia violencia.

Una escena memorable es la del ascensor, no os digo más, id a verla. También me quedo con un plano bastante subjetivo, como es uno en los que la cámara acompaña a Gosling en el interior de un parking y  gira la cámara a la vez que lo hace el coche desde el interior, justo en el asiento del copiloto.

Automáticamente esta película pasa a convertirse en elemento de culto, cargada de referencias y todo tipo de simbolismo. Habla por si sola. Las escasa lineas de guión son la justa medida del gran arte que hay detrás de ellas.

Todo en Ryan Gosling es perfecto. Esa chaqueta ochentera vinculada al arte marcial con ese escorpión tan simbólico en su espalda, la mirada profunda e inamovible, la perfección milimétrica de su reloj de pulsera o la dureza de sus guantes de conducción.

La fotografía, obra de Newton Thomas Sigel, es otra de las joyitas de la película y aquí vuelvo a señalar la misma escena del ascensor. El juego de luces te deja helado, parece la propia mirada del espectador dando cobijo a los protagonista, tomando vida en toda la secuencia.

Toda la foto fija que envuelve al film también tiene carácter propio. Me apasiona cada uno de los encuadres, los colores de los rótulos y cada uno de los montajes de cartelería que os muestro a continuación:

No me quiero olvidar de Cliff Martinez, compositor de la banda sonora, que juega con esos sonidos electrónicos minimalistas propios de la noche, del vacío interior y que engrandecen cada una de las escenas y baile de planos, convirtiendo todo en una bella sinfonía,en la que los silencios y la violencia extrema son protagonistas.

Sólo podría ponerle un pero: un poco más de justificación de la pasión entre los protagonistas, el resto, soberbio.

“Drive” es una de las películas que no podéis dejar pasar este año y que seguramente para finales de enero veréis en las nominaciones de los Oscar.

Estoy deseando volver a verla…

“The Artist” fue toda una sorpresa que no esperaba (os adelanto que mejor se abstengan aquellos que no soporten  el cine mudo), tras los primeros minutos pensaba que todo aquello de la falta de sonido sería un pequeño guiño al pasado, pero no, era toda una realidad que duraría una hora y cuarenta minutos.

Bajo la referencia de cine experimental o documental podría valer, pero montar un largometraje dramático bajo esta perspectiva me parece que es artísticamente pretencioso. La historia jugaba a ser un “Cantando bajo la lluvia” pero todavía más “heavy”, anulando el sonido. Alguno de los juegos malabares que desarrollan están muy acertados, como aquel en el que el protagonista sueña con el sonido. Pero si algo debo destacar de esta curiosa aventura cinematográfica es el final, muy al estilo “Nine”, con el factor sorpresa del sonido y trasmitiendo esa sensación de melancolía por los tiempos pasados.

La película tiene una excelente narración e interpretación, que me da la sensación que puede caerle alguna nominación en los Oscar, especialmente a Keira Knightley y puede que Viggo Montersen. El trasiego de cartas entre los tres personajes principales es la mejor de las bazas con las que cuenta el film, que viene a atraparnos en el mundo científico de principios del siglo XX y la forma en la que los miembros de esta comunidad mantenían sus estrechas colaboraciones.

Es una película algo menor, pero que no deja de ser por ello interesante, con unos buenos diálogos aunque no tan brillante guión.

Polanski usa este situación para mostrar el perfil arquetípico de unos padres preocupados por sus hijos. Las interpretaciones son brillantes, desde el siempre caradura Christoph Waltz, el bonachón de John C.Reilly, o las comprometidas y frias Jodie Foster y Kate Winslet. Un reparto excepcional.

Me encantan algunos detalles propios de Polanski a la hora de generar esa claustrofobia, como el hecho de que los padres visitantes tarden tanto tiempo en quitarse los abrigos o esos diálogos tan cortantes que entrelazan unos acontecimientos con otros.

Al final todo termina como empezó, y al igual que la buena literatura la vida sigue igual pero nuestro conocimiento de ella es más enriquecedor.