En cuanto a Leonardo la historia es distinta. Es verdad que la caracterización es muy agradecida e influye en su interpretación, pero no está al nivel que nos tiene acostumbrados. Quizá sea lo que tienes ser el mejor actor de su generación, que en cuanto bajas un poco el nivel y aunque sigas estando por encima de la media, ya no se te valora igual.

“J.Edgar” nos cuenta la historia de la evolución de un personaje que llegó a convertirse en una de las personas más influyentes en la política de Estados Unidos, como director del FBI, agencia que consigue llevarla de la nada a lo que es hoy en día.  La película llega a tener un toque teatral, con excesivas escenas en la que Leonardo relata un mismo discurso repetidamente. A esto añadimos una falta de identificación con el entorno y los acontecimientos. Quizá este puede que sea el punto que encierre la clave de la película. Se centra demasiado en el personaje de J.Edgar y sus relaciones personales, olvidando el desarrollo de una trama conductora y de los hechos históricos que lo envuelven.

Ver resto de la ficha y sinopsis de la película. 

Película dirigida por el gran David Fincher, que como muchos ya sabéis es uno de mis clásicos básicos del cine actual. Habitual en todos los corrillos en torno a sus historias, esta vez ha pasado un poco desapercibido respecto del cartel de actores que intervienen en la película. Lo mismo ha ocurrido con el guionista, Aaron Sorkin, que le conoceréis por series como “El ala oeste de la casa Blanca” o películas como “Algunos hombres buenos”. Esto de entrada plantea un gran contraste, porque hablamos de un guionista de grandes diálogos contundentes y de un director extremadamente visual, que además su fama, en parte, viene ganada por tener un estilo muy marcado. El resultado ha sido excepcional, nos encontramos con un Fincher más comedido, dando pinceladas de su gran talento en el arranque del film o con escenas como la de la regata, además de dejar espacio suficiente para que el guión hiciera de las suyas. La consecuencia es un film muy destacable, posiblemente de lo mejor que veamos este año 2010. De momento la taquilla lo avala todo con los 22 millones de dólares con los que ha arrancado en su primer fin de semana, colocando al film en primer lugar de taquilla.

La historia que nos cuenta “La red social” engancha desde el primer minuto, con un diálogo trepidante y no pierde el ritmo hasta el final. A esto le acompaña un montaje bien hilado que nos sirve para ir encajando las piezas del pasado y el presente para ir formándonos una idea lo más neutral posible de la historia de pleitos que se traen entre manos.

Es admirable contemplar historias como estas, historias de éxitos y fracasos a partes iguales y donde la paradoja siempre tiene cabida. Un claro ejemplo es ver como alguien con un grandísimo talento carece completamente de destrezas sociales para poder vivir una vida normal y resulta ser quien inventa la red social más importante de lo que va de la historia de la humanidad. Es como lo de Emilie Bronte con sus “Cumbres Borrascosas”, que a pesar de ser una completa recluida social refleja en su novela un conocimiento especial de las relaciones humanas.

En definitiva, esta es la historia de muchos soñadores, de muchos de vosotros que viviréis de mano del brillante y joven actor Jesse Eisenberg la consecución de muchas de vuestras esperanzas. Sólo espero amigos, que algún día tengáis la oportunidad de hacer vuestro sueño realidad. Lo que podéis sacar en claro es que no sólo hace falta talento, y dinero en muchas de las ocasiones, tan bien hace falta perseverancia, decisión, sangre fría y dotes de mando, porque sino ya sabéis lo que os espera, un par de remos, pero siempre con honor y respeto y si además podemos añadirle lealtad ya lo estaréis haciendo mejor que el propio Zuckerberg.

La virtud está en la medida y para la ocasión Scott ha sabido administrarla bien. Por un momento pensé que me encontraba ante una versión nueva de “Gladiator”, o una más de “En el reino de los cielos”, pero el director se maneja en las distancias justas para no caer en tópicos y viejas glorias.

Esta claro que Russell Crowe ha nacido para interpretar este papel de hombre de bien, de grandes glorias y justicias. Admirado y seguido con respeto. No hay nada mejor que verle montar a caballo con cara de cabreo y levantar suavemente un brazo para que alguien le lance una espada que agarrar. Con esa imagen se podría definir su trayectoria de forma fiel.

Con lo que no comulgo de la historia es con esos niños sacados del País de Nunca Jamás mezclado con los del Orfanato de J.A. Bayona metidos en cruzadas. Lo mismo he de decir de la historia del padre de Robin Hood, que no aguanta ni con calzador. Absurda y ridícula a partes iguales.

En conjunto nos encontramos con una película de aventuras y acción en la que el ritmo de la historia es acertado, salvaguardando algunos momentos centrales en los que se exceden con el correveidile, pero que en lineas generales es consistente.  Scott narra  visualmente sus cruzadas bajo su sello personal, como siempre, limpio, sencillo y preciso, con ese toque de celeridad que tanto me gusta de él.

Por último destacar el casting del film. El inagotable Max von  Sydow está sensacional, así como Cate Blanchett como Marion de Loxley, William Hurt, Mark Strong como el malvado Godfrey o a Oscar Isaac en el papel del Principe Juan, actor que hace poco pudimos ver en “Ágora” de Amenábar.

No os arrepentiréis con esta película.

A todo esto podemos añadir un diseño de producción modesto pero muy interesante y una banda sonora firmada por Angelo Badalamenti.

Con todo esto podemos pensar que el producto no podía estar mejor empaquetado. El problema lo tenemos con el relleno, que flojea y bastante. La historia juega a ser una especie de remake guionístico de “Expiación”, “Orgullo y Prejuicio” o cualquier otro producto made in Keira, porque aunque ella lo negara, está más que encasillada. Durante las dos horas de metraje no dejamos de escuchar sus típicas frases de “Vuelve a mí”, “estás temblando” y similares, que tantas veces escuchamos en sus films.

La relación entre los personajes no deja de sorprendernos con constantes incongruencias y sentimientos de postal. Por momentos uno parece estar leyendo una novela de Danielle Steel.

En resumidas cuentas, salvo que seáis unos románticos empedernidos y vuestra afinidad vaya más allá de una mera subjetividad, no perdáis el tiempo y el dinero.

Clint Eastwood no defrauda y nos muestra un film con aires de grandeza y cierto trasfondo bajo el hilo sensiblero y romántico tan habitual en él, es decir, esos planos estáticos, de mirada perdida y música de trompeta solitaria o teclado perdido.

Pasa, en cierto modo, de puntillas por la dramática vida de Nelson Mandela y esto es algo que alguna voces le han criticado, aunque creo que vemos de Mandela justo lo que la historia nos demanda,  porque sus pretensiones no son dibujarnos con tiralíneas la biografía de Nelson Mandela o el Apartheid en Sudáfrica, sino más bien mostrar una historia de humanidad, de esperanza, de perdón y de grandeza.

Eastwood abusa de algunos recursos, como los reiterativos planos de las grandas del campo de rugby (siempre los mismos) o de esos planos tan suyos que antes comentaba, donde la música y la emoción se funden.

Destacables son las constantes reflexiones en voz alta del mismísimo Mandela, el acento logrado por Morgan Freeman y Matt Damon o la escena final del partido y el efecto que provocan los créditos finales con las imágenes reales.

Está claro que dentro de esa mirada dura y fría de Eastwood hay un corazón muy romántico ya que últimamente no cesa en su empeño de traernos historias de superación con final feliz. Veremos que hacen en los Oscar.

La dirección del film está dentro de los cánones de este director que juega constantemente a la reflexión, la metáfora y la parábola. Hay algunos planos sublimes, como aquellos en los que aleja la cámara hacia el Universo, mostrando la insignificancia de nuestra insistencia, lo irrelevante de nuestro pensamiento hacia el Universo. Lo mismo ocurre con aquellos planos cenitales en los que se ve a los humanos correr como hormigas, ¡lo que realmente somos! e incluso aquel dentro de la biblioteca en el que voltea la cámara por completo sugiriendo la locura de nuestros razonamientos.

Amenábar realiza un justo repaso por la historia, por el fanatismo, por la sin razón, por la injusta actitud del hombre hacia la mujer. Es toda una muestra del porque de nuestros días y una excelente reflexión para que comprendamos y abramos los ojos ante nuestra ineptitud.

Me quedo con una frase que no recuerdo muy bien, en la que Hipatia reflexiona junto a Orestes y otro de sus alumnos, en la que les hace ver la sin razón que supone no cuestionarse su verdad.

La película representa muy bien lo que supuso el cristianismo y el porque de su rápida propagación, ya que no era fruto del fanatismo, más bien era una forma de reclamar libertad por parte del pueblo oprimido. Vivían una época de clases, en la que los esclavos representaban la mayoría de la población y fueron estos los que usaron esta creencia para alzarse contra el poder. Y como siempre ocurre, todo basado “en las escrituras”, “en un libro” que nadie podía leer, por falta de acceso a él y sobretodo por analfabetismo. Un libro cuya capacidad para construir un mundo de fantasías era ilimitado y que a lo largo de la historia, cada vez que se han cruzado con la realidad y la verdad han arrasado con todo y han destruido todo aquello que pudiera poner en cuestión su falacia, su fantasía.

Lo gracioso de todo ello es que los ricos y poderosos una vez que comprenden este movimiento popular lo asimilan, lo hacen suyo y continúan subyugando al pueblo.

Al margen de estos aciertos de Amenábar en su nuevo film, veo bastante floja la trama, muy lenta y con unos personajes muy frios. Se podría haber hecho mucho mejor todo esto. Quizá sea la época de la historia porque no recuerdo ninguna película situada en esos años de la historia que me haya satisfecho, pero en cualquier caso es un metraje excesivo y repetitivo en muchos momentos.

Continuando con las noches de cine de verano en esta ocasión nos detendremos en “Camino”, la última apuesta de Javier Fesser, ganadora de 7 Goyas en la última entrega de 2008, convirtiéndose en la película del año.

Fesser, al igual que hizo Guillermo del Toro con “El laberinto del Fauno” nos muestra un bello cuento, una historia de amor, enredada en una oscura y miserable realidad. A las destrezas del guión sumamos el acertado uso de la imaginación y los sueños con una más que correcta construcción de estos, salvaguardando algún que otro efecto visual al que el presupuesto no debió llegar.

Al margen de la cruda historia que refleja creo que podía haber sido más sarcástico y crítico con el grupo de sicarios católicos (Opus Dei) que protagonizan las desventuranzas de Camino, los mismos que junto a otros fieles compañeros de correrías como los dominicos o los jesuitas dedicaron años a parasitar las universidades españolas cegando a la ciencia de la primera parte del siglo XX,  desarrollando un imperio económico gracias a los favores del generalísimo y ocupando los ministerios de poder de este país, tejiendo así la maya de la mafia tecnocrática que atrapa todo puesto de poder en este y otros paises, para así, convertirse en la secta más peligrosa con la que nos hemos cruzado.

Estas son las cosas que a uno le hacen pensar “ojalá exista esa justicia divina que tanto proclaman en falso y hacen suya los impropios” , porque se van a quemar en el infierno que Dante pintó para ellos.

Las noches de verano son ideales para revisar esos títulos que en su día dejaste pasar pero que siempre guardaste en la recámara para alguna otra ocasión. Esta noche era de esas ocasiones así que buscando y buscando entre el amplio catálogo de títulos pendientes (porque la verdad es que no hay vida suficiente para verlo todo.  Al final uno tiene que decirse entre vivir la vida o ver la vida), me dije, “La duquesa”, me apetece verla. Y así lo hice.

Siempre apetece ver a Keira Knightley vestida de época, corriendo por un jardín isabelino, con un guapo y galante noble enamorado de ella y ella de él y todo impregnado de ese ambiente tan romántico propio de las novelas de Jean Austen y de la música de Desplat, Marianelli o en este caso Rachel Portman.

En esta ocasión no podemos hablar de un gran drama. Nada en esta historia es excepcional, quizá se salve el vestuario. Tanto Finnes como Knightley no gozan de grandes registros pero mantienen el interés hasta el final. Me resulta curioso lo liberales que se muestran en esta sociedad que retratan del siglo XVIII, así como la benevolencia manifestada por el Duque en alguna ocasión.

Destacar unicamente el glamour de una dama que guarda mucho parecido con lo que más tarde representó Lady Di, señal inequivoca de que la historia siempre se vuelve a repetir.

Para incondicionales de Keira Knightley.

El hecho de que Tom Cruise esté a la cabeza de este proyecto hace que despierte afinidad y rechazo a partes iguales. Al margen de polémicas sobre el nazismo, la cienciología, la calidad del actor o la propia necesidad del film, he de decir que “Valkiria” es una buena película de suspense (a pesar de que muchos, entre ellos medios como Variety, señalen falta de tensión y emoción en el film), un thriller en tiempos de guerra como los que hacía tiempo que no se veían.

Tom Cruise en el papel del Coronel Claus von Stauffenberg esta brillante, despliega su convicente compromiso con la causa y arrastra al resto de miembros de su esfera al mismo deselance. Que decir sobre el magnifico trabajo de casting, desde Kevin McNally, Christian Berkel, Bill Nighy (increible), Terence Stamp, David Chofield o incluso Kenneth Branagh. Mención aparte para Tom Wilkinson, que lleva un par de años con trabajos sobresalientes. En este caso representa al único “mediastintas” que no está ni de uno ni del otro lado, y como siempre pasa…lo acaba pagando gane quien gane.

Bryan Singer (X-Men, Superman Returns) es el director de esta cinta ambientada en el que fue el último y fallido intento de asesinar a Hitler. Singer trató en todo momento de acercarse lo máximo posible a la realidad, para ello contó entre otras cosas actores lo más parecido posible a los personajes reales, así como el uso de ropa de aquella época comprada en algún mercadillo berlinés.

La trama se desarrolla desde un primer momento con decisión, directa al grano, sin dar rodeos sobre los intereses o ideales de cada parte. Esto hace que sin previo aviso nos veamos con la tensión al cuello y a Tom Cruise metido en faena desde un primer momento. Cierto es que esta tensión no sube excesivamente en un momento algido de la historia, sino que al contrario, se mantiene a un mismo nivel durante todo el metraje, no dando tregua hasta los títulos de créditos. Sin duda, esta es la mejor formula para contrarrestar el consabido final. Debemos agradecerselo a Christopher McQuarrie (Sospechosos habituales) , guionista del film. 

Para finalizar no quiero olvidarme de John Ottman (habitual compositor de los films de Singer) y el intrigante score que presenta para esta ocasión.

Australia es la nueva apuesta de Baz Lurhman, ese director tan especial que algunos adoramos por su extradionaria visión del mundo, aunque esta vez no lo demuestra tanto (el gran presupuesto y la necesidad de rentabilizar por parte de la Fox habrán acotado sus ínfulas creativas) al menos durante todo el film.

La película arranca como si de otro Moulin Rouge o Romeo+Julieta se tratase, combina la historia épica con la comedia con maestría y nos hace una puesta en escena a su más puro estilo. Una vez planteado entramos en las ondanadas del drama épico, el de las grandes historias (Lo que el viento se llevó, Titanic…) y es aquí donde pueda echarse en falta algo más de tensión. 

La duración del metraje ha sido una de las críticas más generalizadas y puede que en cierto modo el espectador espere un final en un punto del film donde parece que debería haberlo, pero la verdad es que de haber sido así ahora mismo estaríamos hablando de otra cosa.

Lurhman nos ofrece un recorrido perfectamente tramado sobre uno de los momentos históricos de Australia (su país natal) usándolo a su vez para radiografiar la sociedad y cultura en la que se forjó el país que ahora conocemos. Para ello no sólo despliega una trama de grandes dramas, sino que cada elemento del film goza de vida propia. Empezando por ese encuadre tan típico suyo, donde todo parace una composición pictórica, siendo capaz de mostrar una escena en la que se reunen todos los elementos circundantes con la mayor naturalidad posible. 

La fotografía es de especial mención. Me fascinaron sus claroscuros y la puesta en escena de Hugh Jackman con esos planos tan cortos de su cara entre luces. Lo mismo podemos decir del vestuario y la dirección artística, sin duda un gran diseño de producción.

También quiero destacar el grito de denuncia que Lurhman expresa en el film, no sólo al racismo, xenofobia y clasicismo, sino a la Iglesia como institución (ya me diréis el plano “maestro” que usa para este fin, …de una gran sutileza…).

En definitiva una gran historia, apesar de que me hubiera gustado ver alguna de las genialidades de Lurhman más allá de los primeros 20 min. de película y que no se notara tanto la mano de los grandes estudios (lo digo por los rumores de que le obligaron a cambiar el final. Sin ánimo de reventar a nadie la película, creo que el final que Lurhman planteaba hubiera sido lo más acertado.)