Category Archives: Romance

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Repasando “Like Crazy”

Este fin de semana me sentía muy romántico y probé suerte con una película de 2011, dirigida por Drake Doremus e interpretada por Anton Yelchin (al que recuerdo por su personaje en Alpha Dog. Si, aquel pobre chico que termina tan mal), Felicity Jones y en un papel más pequeño Jennifer Lawrence, quien ganó este año el Oscar a mejor actriz por su papel en “Silver Linings Playbook”, ¡quien se lo iba a decir entonces!).

Esta película ganó el premio del Gran Jurado en el Festival de Sundance como mejor película dramática y Felicity Jones por su interpretación.

La historia refleja la realidad de muchas parejas que viven separadas por las distancias de su países. Ella británica y el americano. Ella viaja a Los Ángeles por estudios, le conoce se enamora y viola su visado de estudios pasando más tiempo en USA del que tenía permitido. Esto le supondrá problemas para viajar a este país en el futuro y determinará parte del rumbo de su historia de amor.

Jacob y Anna viven un romance lleno de subidas y descensos emocionales, en los que la distancia hará que aparezcan otras personas en sus vidas y dificulte más una relación que parece insalvable. La historia esta repleta de momentos muy bellos y poéticos, de miradas perdidas y llenas de significado. Frases como la de Jacob “a veces tengo la sensación de estar de turista,más que de formar parte de tu vida”, cuando el viaja a Londres para estar con ella, reflejan friamente todos esos estadios por lo que una pareja pasa cuando su escenario se presta tan complicado para su felicidad.

Uno de los mejores elementos de la película es la música del pianista Dustin O´Halloran, de una belleza sutil e intima cargada de una sensibilidad sublime que espero poneros esta semana para que podáis disfrutarla.

El estilo del film es completamente Indie, lejos de los canones habituales de la industria, lejos esas historias románticas que todos conocemos. Se envuelve de un look  realista, con cámara en mano y planos a larga distancia. El guión, sin ser algo excepcional si que tiene los puntos necesarios para narrar con habilidad como la distancia y el tiempo minan las relaciones de pareja. Es obra de Derek Cianfrance, quien ya escribió una historia muy parecida para “Blue Valentine”.

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Un lugar donde refugiarse, la última adaptación de Nicholas Sparks

El fenómeno Nicholas Sparks vuelve a los cines este mes de abril. El escritor norteamericano, el gran maestro de las historias románticas adaptadas al cine tiene otra de sus novelas lista para estrenarse en la gran pantalla, “Un lugar donde refugiarse”. Con esta ya van 7 adaptaciones de las 16 novelas publicadas.

 De las novelas de Sparks adaptadas al cine tenemos los siguientes títulos (El diario de Noa, Un paseo para recordar, Mensaje en una botella, Nights in Rodanthe, The Last Song, Dear John y Cuando te encuentre). De todas ellas tenemos un título que destaca sobre el resto y que tuvo gran repercusión entre el público, hablamos de la bella historia de amor de toda una vida recogida en “El Diario de Noa”, protagonizada por uno de los talentos más al alza del momento, Ryan Gosling, junto a Rachel McAdams, que la podemos ver ahora en las pantallas con “To the Wonder”.

Lasse Halström dirige la adaptación de esta novela romántica que nos cuenta la historia de Katie (Julianne Hough) , una joven que intenta olvidarse de su pasado mudándose a un pequeño pueblo de Carolina del Norte. Pero a veces no es fácil dejar atrás lo vivido y esos fantasmas pretéritos se empeñan en acompañarnos más tiempo del deseado.

A los amantes de Spark no les va a defraudar esta nueva historia, aunque a veces se hace un poco lenta y la química de los protagonistas es mayor cuando se están conociendo que cuando inician el romance, cumple con los canones de todas sus historias.  A los que tenemos cierta edad nos va a recordar bastante a Durmiendo con su enemigo, aunque carece de la tensión y el ritmo de la película que en 1991 protagonizó Julia Roberts. Eso si, viendo Un lugar donde refugiarse te entran unas ganas enormes de coger el petate y fugarte a un pueblo de paisajes maravillosos en el que la gente sea encantadora y todo parezca un sueño.   La banda sonora no es tan buena como la de Cuando te encuentre, pero también cuenta con canciones dignas de recordar.
Os dejamos el trailer, animaos a vivir el romance.

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To the Wonder, la crítica

Quizá sea duro decirlo así, pero lo mejor de “To the wonder” es su trailer. Está claro que Malick, tras “El árbol de la vida” ha encontrado la medida exacta para expresar sus sentimientos. Aquellos brotes poéticos que ya adelantaba en “La delgada línea roja” y que fueron el bloque central de “El árbol de la vida” se llevan al límite en “To the wonder”, película en la que no existe apenas un diálogo, incluso me atrevería a decir que ninguno. Todas las lineas de guión son voz en off, expresan las situaciones mediante  los pensamientos y se nutre de la fuerza de su imagen para reafirmar esos pensamientos y enfatizar las emociones. Por eso creo que Ben Affleck encaja a la perfección, es el actor más inexpresivo que hay desde Clint Eastwood, ideal para el personaje que representa.

La película viene a contarnos cómo es el amor, cómo nace con fuerza, nos lleva por caminos increíbles e inexplicables y que tan pronto está como de repente parece desaparecer. Ante la ausencia de diálogos Malick se vale de la combinación de paisajes que refuerzan su discurso y dirigen el sentimiento del espectador en el camino que pretende, ya sean los bellos paisajes naturales como los ríos sombríos contaminados por el hombre, todo tiene su sentido. La belleza de su imagen no tiene comparación, pero al contrario que ocurría en “El árbol de la vida”,  muchas de las situaciones se alargan de sobre manera, resultan gratuitas e innecesarias, convirtiéndolo en un ejercicio más propio de arte ensayo,  sacando por completo al espectador de la historia con alguna de sus extravagancias.

Entremedias de la historia que se ofrece con Affleck y Kurylenko aparece Javier Bardem en un papel que claramente no termina de verse su sentido en la historia, no acaba de centrarlo y esto también crea cierto desorden.

La película arranca con unas bellas escenas en el norte de Francia, donde nos trasmite la belleza de lo efímero, de esa felicidad que dura un instante y se fuga a Norteamérica, a los campos de trigo donde la rutina y las diferencias entre la pareja protagonista se harán patentes.

Ella enamorada del amor y con la necesidad de ser amada como ella ama. Él, impasible, temeroso de expresar, huidizo ante la pasión y entre unas cosas y otras aparece el cura como paralelismo de ese amor carnal con el amor a Dios. Todo ello bajo el prisma de Terrence Malick, con sus amplios angulares que recogen la belleza del sol, de la tierra, de la naturaleza…con sus particulares travellings que avanzan una y otra vez, siempre hacia delante en busca de más, de respuestas a sus inquietudes. El problema es que esta narrativa visual se vuelve inquietante, cuanto menos, porque incide mucho en los mismos aspectos, con una Kurylenko que no deja de restregarse con todo lo que pasa ante ella, una flor, un cristal, … y esto termina torpedeando  a la poética visual que con tan buen gusto clavó en “El árbol de la vida”.

 

La fuente de la vida

La fuente de la vida

Revisando los títulos de Darren Aronofsky me encontré hace poco con “La fuente de la vida”, ese trabajo que recibió aplausos y abucheos a partes iguales por cada uno de los Festivales por los que pasó.  La taquilla tampoco la trató muy bien, y es que, partiendo de que el cine de este director es un tanto especial y su realización suele ser muy arriesgada y controvertida, este es uno de sus títulos más asequibles para el espectador medio. El problema está en que el guión es un tanto filosófico y la metafísica del film llega a hacerlo incomprensible en algún momento. En cualquier caso, este es un título que muchos lo han considerado una obra maestra (como casi toda su filmografía).

Interpretada por Hugh Jackman y Rachel Weisz es una película que viene a retratar la importancia de vivir la vida, de que tenemos que despreocuparnos de la muerte, que siempre va a estar ahí, de no condicionar nuestros caminos y disfrutar de la compañía de quien nos quieren y a quien amamos, algo que solemos dejar de lado en muchas ocasiones, como si el tiempo fuera a detenerse y siempre pudiéramos disfrutar de esa compañía en otro momento. La vida es aquí y ahora y no debe haber remordimientos, porque las segunda oportunidades no existen.

Aceptar la muerte nos permite vivir sin preocupaciones, nos libera la mente, el ansia del tiempo se detiene, ya nada importa.

Entre todos estos mensajes vitalistas la película también trata de mostrarnos su visión de la inmortalidad, de la inexistencia de un yo eterno, pero que a su vez forma parte de un todo, porque todo se transforma, la energía fluye de un cuerpo a otro, dando paso a un nuevo ser a una nueva aventura por descubriro.

Es una película que toma muchas referencias de las múltiples religiones del planeta y que (en palabras del propio directo) podría considerarse un poema sobre la muerte, algo a lo que no estamos muy habituados.

En definitiva es una película complicada de ver, no acta para todos los públicos, que sin llegar a la complejidad de alguno de sus otros títulos es algo más abstracta y poética que el resto, ofreciendo una fotografía muy sobresaliente (y hay que tener en cuenta que fue una producción por debajo de las pretensiones que el director tenía).

Para algunos un título más que olvidable y para otros una de esas pequeñas joyas que salen de vez en cuando. ¿Tú que opinas?

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Anna Karenina, la crítica

Llevaba tiempo buscando la ocasión para ver la última película de Joe Wright (Orgullo y Prejuicio, Expiación), primero porque sus trabajos previos me parecen muy interesantes, segundo porque el trailer era muy sugerente (especialmente por su música, “Nero” de Thomas Bergersen) y tercero porque las críticas que había oído, así como su escasa visibilidad en los Oscar eran contradictorias con la idea que tenía al respecto.

Pues bien, a los 15 minutos de comenzar la película es evidente lo que ha sucedido. La película se vendió como un fuerte drama romántico y con los precedentes de este director, el perfil que suele representar Keira Knightley y que todos sabemos muy bien de que va la historia de Anna Karenina, el espectador esperaba encontrarse algo en esa linea. Por el contrario tenemos una película muy teatral, puramente pictórica en la que Joe Wright lleva al máximo su recurso favorito, el plano secuencia que tan buen resultado le dio, por ejemplo, en el arranque de “Orgullo y Prejuicio”, en el que entra y sale de la casa en su sólo plano y nos muestra la estancia y los personajes de un plumazo. Algo sensacional, sin duda.

En esta ocasión cuentan con un escenario, un teatro de Ópera y poco más. En estos pocos decorados representan todos las localizaciones, pasando de una a otra con la cámara recorriendo las entrañas y jugando al despiste con el espectador y como si de un juego de telones de teatro se tratase pasamos de una situación a otra prácticamente sin darnos cuenta.

La fotografía es sensacional, el manejo de las luces te atrapa dentro del cuento y realmente pareces estar en un teatro. El vestuario es otra de las piezas claves, por ello ganó el OSCAR este año. Keira Knightly va camino de convertirse en la musa del traje en la pantalla.

La banda sonora de Dario Marianelli juega otro papel determinante, mezclando sabiamente los sonidos de los objetos con la propia música, como ya hizo con “Expiación”, lo que le valió también el OSCAR.

Pero os preguntaréis, ¿si tan buena es, qué ha sucedido para tener tan poca repercusión?

Muy sencillo, lo primero es que el trailer lleva a un público equivocado a las salas, un público no acostumbrado a una realización tan atrevida y experimental y lo segundo es que este tipo de montaje visual, este juego de engaño visual, donde una puerta, un cortina o cualquier objeto pueden transportarte a otro escenario provoca en el espectador una sensación de incredulidad, te abstrae de la historia y te secuestra con su magia visual, teniendo al final un paquete tecnicamente perfecto y rebosante de arte pero cuyo contenido pasa inadvertido, con la excepción de alguna ingeniosa linea de guión en relación al sistema establecido, creada por Tom Stoppard (ganador del Oscar por el guión de Shakespeare in Love).

Os dejo con alguna de las escenas más memorables de la película, como el baile entre los protagonistas, algo sublime.

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El lado bueno de las cosas, la crítica

“El lado bueno de las cosas” es una de esas comedias románticas que solemos ver acercándose los OSCAR, en las que el drama se refugia entre sus líneas y donde los clichés habituales de las producciones de los grandes estudios no dejan su rastro. Aquí se juega un perfil más independiente.

David O. Russell, habitual en los OSCAR en los últimos años (The Fighter 2010), trata de mostrarnos en esta cinta las cosas buenas de la vida, esas pequeñas cosas como los domingos de partido con la familia en donde esos pequeños detalles de amor, de cariño y refugio nos salvaguardan de la dureza de la vida, del sufrimiento que arrastramos y de la amargura que muchas veces puede ser la vida. Trata de dibujarnos ese mapa positivo que debemos trazar en el inicio de un proceso de transición, de una vida que dejamos hacia otra nueva llena de oportunidades.

Ese juego de razones de O. Russell busca cualquier artimaña y excusa para dirigir el argumento hacia donde quiere, no olvidemos que es una comedia romántica y todo vale, por surrealista que pueda parecer. El ritmo está falto de brio y la intrascendencia tiene momentos en los que se apodera del argumento.

Las interpretaciones son el mejor valedor de la historia. Jennifer Lawrence se lleva de calle la película en el momento que aparece, incluso en su bis a bis con Robert De Niro le deja noqueado, no le hace falta luchar a los puntos. Las cuatro nominaciones por sus interpretaciones están más que justificadas y es probable que ganen alguna de ella.

Finalmente las reflexiones que tanto prometia no llegan, por otro lado la comicidad es limitada y está lejos del genio de títulos como “Up in the air” o quizá cierto paralelismo irónico que veo con “Revolutionary Road”.  En cualquier caso es una película agradecida, que viene a decirnos que Bradley Cooper vale para más cosas, que Jennifer Lawrence tiene futuro  y que tras varios años, por fin Robert DeNiro tiene una interpretación a la altura que se espera de él.

Veremos si en la carrera final por OSCAR consiguen alguna estatuilla, porque al final es una de estas películas sin grandes pretensiones  que o bien pueden dar el campanazo, véase “Juno” o pueden pasar al destierro total y ya os adelanto que suceda lo que suceda pasados dos años nadie se acordará de esta película, aunque Jennifer Lawrence gane el OSCAR.

Amanecer Parte II

Ese día que tanto ansiaban y temían los seguidores de la saga crepuscular por fin llegó, la segunda parte de Amanecer arrasa en los cines de todo el mundo.Durante cinco años hemos visto crecer el amor entre Edward Cullen e Isabella Swan, hemos sufrido con sus tormentos y hemos disfrutado de su intimidad. La ensoñación de Crepúsculo, la tristeza de Luna Nueva, la pasión de Eclipse y Amanecer I nos llevan al final, a presenciar cómo comienza ese “para siempre” del que sus protagonistas hacen gala.

Amanecer II arranca con unos créditos iniciales muy logrados, en los que los acordes musicales nos transportan a esos frios y húmedos bosques de Forks y nos recuerdan cómo empezó todo.  La película se divide en dos partes bien diferenciadas: la primera en la que Bella empieza a desarrollar sus virtudes como inmortal y la segunda, donde la amenaza Volturi se cierne sobre los Cullen y sus amigos. No vamos a destripar aqui ningún dato sobre el final de la película pero si no has leido el libro te va a encantar y si lo has leido te va a sorprender, no digo más.  Dirigida por Bill Condon puede ser desde este pasado viernes la  favorita de miles de fans y no les falta razón. Cuenta con un buen ritmo, algo que podía fallar en otras entregas, y con una gran tensión contenida durante todo el metraje que culmina con la batalla final de manera espectacular.

LO MEJOR: el final.

LO PEOR: se echa de menos la flota de coches con que Edward agasaja a Bella siempre preocupado por su seguridad.

Y…¿ahora qué? se preguntarán los seguidores de la franquicia. Hay rumores sobre una supuesta próxima película pero que no tendría a Edward y Bella como protagonistas si no a algún otro miembro de la familia Cullen. Por su parte Stephanie Meyer ha dejado la puerta abierta a más libros de la saga, que no serían la continuación si no la misma historia contada desde el punto de vista de Edward. Si estais interesados y ávidos de más Crepúsculo os recomiendo que leais Midnight Sun (Sol de medianoche), donde Meyer comenzó esa tarea de contarlo todo a través de los ojos de Edward y que dejó a medias porque se filtró en internet, muy interesante saber lo que sintió Edward la primera vez que vió a Bella y cómo era su vida hasta entonces.

Trailer de Warm Bodies

Summit Entertainment, en su búsqueda de un nuevo producto que continue el tirón de la saga “Crepúsculo”, de historia de amor sobrenatural, nos trae “Warm Bodies”, donde un mundo invadido de zombies tiene cabida para la historia de amor entre un joven zombie y una humana.

La historia puede sonar a guasa, pero es muy real. El estreno está previsto para el 1 de febrero y John Malkovich está en el reparto.

Hasta entonces, os dejo el trailer exclusivo:

Bel Ami, historia de un seductor. La crítica

“Bel Ami”, estrenada en USA en el mes de mayo, llega a nuestras pantallas en otoño.

Cuenta la historia de un seductor interpretado por Robert Pattison, que utiliza sus armas de persuasión para conseguir una distinguida posición social en el París de finales del diecinueve.

Lo primero que salta a la vista de esta historia es lo desfavorecido que está el joven Pattinson, que parece no quitarse de encima ese aura de vampiro frio, blanco y languido a lo que añadimos un desmejorado cutis en esta papel.

La historia es la adaptación de una de las novelas de Guy de Maupassant, pero que no parece haber recogido con fidelidad el alma del protagonista Georges Duroy, papel interpretado por Robert Pattison.  Sin  a penas haber comenzado la narración nos encontramos con el joven Duroy alzado de la miserie a la nobleza y con todas las mujeres rendidas a sus pies. La película se salta por completo el arte de la seducción y el proceso de enamoramiento de unos y otros.

Lo mejor de esta historia es ver como el cazador puede ser cazado. Como en el juego del amor nunca puedes estar seguro de las cartas que juegas. El corazón es ingobernable y la debilidad puede mostrarse con quien menos lo esperas.

Me quedo con unas palabras del personaje interpretado por Uma Thurman, objeto del deseo del joven Duroy.

“No tengo interés en ser su querida. No hay nada que me aburra más que la juventud caprichosa. Sé perfectamente bien que el amor para ustedes es sólo deseo. Eso les convierte en estúpidos.”

Eternamente comprometidos

Es la película ideal para los amantes de las comedias romanticonas que terminan dando un pequeño giro melodramático y que además guste de ver escenarios como las calles de San Francisco.

Película protagonizada por Emily Blunt y Jason Segel (¡qué no me gusta naaaaaaada!!) en la típica historia en la que una pareja muy enamorada y con ganas de casarse de inmediato lo van retrasando por el desarrollo de sus carreras. Inevitablemente el tiempo termina por desgastar y llevar a un punto crítico esta relación, con la moraleja de “si quieres amar, ama, y olvídate del resto, porque siempre habrá algo que altere tus planes”. ¿Qué pasará al final? Tendréis que ir a verla.

Por si todavía no lo tenéis claro, os dejo con el trailer.“Eternamente comprometidos”