Partiendo de esta base, nos enfrentamos a una bella historia de confianza en un objetivo, en la fuerza de la razón frente a la superstición, y de la que podemos sacar la conclusión de que es de sabios no cometer el mismo error. (Algo que me recuerda al final de “Pactar con el diablo”, en el que Keanu Reeves, pese a tener esa segunda oportunidad, vuelve a sucumbir ante la misma tentación). Otra gran lección, y quizá la más importante que nos podemos llevar de esta historia, es que siempre los triunfadores y aquellos que rompes barreras se tienen que enfrentar a todos los elementos, especialmente la desconfianza de aquellos que no pudieron hacer lo que ahora pretenden, o aquellos que bajo el conservadurismo que les trata bien niegan cualquier tipo de cambio que pueda hacerles caer de su privilegiada situación.(Qué también me recuerda a la charla que Will Smith le da a su hijo en “La búsqueda de la felicidad”).

“Moneyball” nos brinda la oportunidad de ver a un Brad Pitt más maduro, en un papel sereno en el que los silencios juegan su baza y en donde la compañía de Jonah Hill en el papel de Peter Brand pone la chispa apropiada para esos giros guionísticos que tan bien sabe hacer Aaron Sorkin.

 Sinopsis de la película

Terrence Malick no defrauda, las expectativas eran altas y como suele pasar en estos casos terminan defraudando, pero no “El árbol de la vida”.

Desde el primer plano se siente la grandeza del film, con el mismísimo creador del Universo frente a tus ojos, cuestionándote ¿dónde estabas el día que cree el mundo?

Desde el primer instante la película se parte en dos direcciones:

1. Una visión onírica y filosófica sobre el origen del universo y el sentido de la vida

2 Un análisis social, moral y religiosos del paso por la vida de una familia americana de clase media a finales de los años 50.

Respecto de la primera parte me gusta mucho desde el comienzo en el que describe las dos formas de ver la vida, la espiritual alejada de todo orgullo y emoción y la natural, que se rige por los principios más físicos y viscerales, que en cierto modo encarna Brad Pitt como padre de la familia protagonista.

Durante la primera hora de película comparte la introducción de la historia con esa visión del origen del universo, en el que  incluso llegamos a ver dinosaurios. A pesar de la grandiosidad y efectismo de los planos seleccionados uno no termina por llegar a verse absorbido por la grandiosidad que pretende demostrar encontraste con la vulnerabilidad del ser humano, pero en cualquier caso resulta sobrecogedor, especialmente por uso del sonido a lo largo de todo el film.

La segunda parte se centra más en la historia de los personajes, donde el personaje interpretado por Brad Pitt trata de educar a sus hijos (especialmente el mayor de ellos) en una disciplina dura, como ejemplo de esa naturaleza en la que nos vemos inmersos, donde el espíritu de superación y supervivencia nos obliga a ser egoista, disciplinados y muchas veces inexpresivos con aquellos que más nos quieren. Esta parte más natural que representa uno de los enfoques entra en contraste con el revulsivo que termina siendo esa actitud con sus hijos, en la que el propio padre termina arrepintiéndose de sus modos y reconociendo esa otra visión del film, la más metafísica y espiritual, en la que el amor es el eje de todo y muchas veces el credo y los dogmas de fe nos hacen más soportable la existencia natural.

Todo el film es una contradicción en si mismo, porque como ya vemos desde un primer momento con esa bifurcación entre los espiritual y lo terrenal, es capaz de mostrarnos el más allá y a la vez reducir nuestras esperanzas de inmortalidad a la más nímia de las derrotas. Claramente no cierra la esperanza del ser humano en un Dios creador de toda vida, pero no lo expresa con el egocentrismo que los credos terrenales pretenden y mucho menos sujeto a nuestros antojos tan caprichosos. La explicación de la vida es un largo camino que quizá nunca lleguemos a encontrar.

En el apartado técnico Malick es soberbio, me encanta esa forma de contar la historia con ese narrador en off que aunque represente a uno de los personajes nos otorga esa capacidad de juzgar desde fuera la situación presente. El constate cambio de plano, el uso de la luz, los encuadres en los que siempre está presente el sol, la cámara con gran angular tras el paso del personaje o los numerosos travelling prácticamente a ras de suelo cargan de gran emoción cada una de las secuencias.

En definitiva me hubiera encantado disponer de una pequeña libreta en la sala para apuntar notas de la mayoría de situaciones y planos de la película. Viendo el último trabajo de Malick no me cabe duda que el gran Stanley Kubrick estaría muy orgulloso de su digno sucesor. “The tree of life” reúne lo mejor de Malick, convirtiendo a la película en su mejor trabajo hasta la fecha.

“El arbol de la vida”:

 Sinopsis: Historia de tres hermanos durante los años 50 y de cómo el mayor de ellos vive la pérdida de la inocencia. 
Vemos la evolución de un niño, Jack, de 11 años, del Medio Oeste. Al principio todo es maravilloso a sus ojos, pero obtiene de sus padres dos imágenes muy distintas del mundo: mientras su madre representa los caminos del amor y la compasión, su padre intenta enseñarle lo duro de la vida, a sobrevivir y a superarse. Ambos lucharán por su atención y Jack debe combinar ambas enseñanzas. Todo empieza a cambiar cuando experimenta por primera vez la enfermedad, el sufrimiento y la muerte. El mundo, hasta entonces limpio y luminoso, se convierte en oscuro y frustrante. 
Esta historia se compagina con la de Jack adulto, un alma perdida en un mundo moderno, que tratará de encontrar entre las escenas de su infancia aquello que permanece inalterado, el plan eterno del que todos formamos parte. Cuando descubre todo lo que se le ha escapado por el camino aprenderá a valorar más las cosas que le quedan por venir. Jack, con una nueva visión del mundo, es capaz así de perdonar a su padre y dar por vez primera sus propios pasos por la vida.

“Colombiana”

Sinopsis: 1992. Colombia. La pequeña de nueve años Cataleya (Zoe Saldana) presencia el asesinato de sus padres. Ella misma logra eludir la masacre a duras penas y se refugia en los Estados Unidos con Emilio, su tío mafioso… Quince años después, se encuentra trabajando para él como asesina a sueldo. Su tarjeta de visita — una orquídea dibujada en el pecho de sus víctimas — es un mensaje para los asesinos de sus padres, pues Cataleya está resuelta a llevar su venganza hasta sus últimas consecuencias… aunque ello suponga sacrificar todo lo que ama.

“Los Amos de Brooklyn”

Sinopsis: Narra las historias de Eddie (Richard Gere), Sal (Ethan Hawke) y Tango (Don Cheadle), tres desafortunados policías de Brooklyn que se ven involucrados en sus respectivas circunstancias hechas de violencia y corrupción en tanto tratan de vencer sus propios demonios. 

“La cara oculta”

Sinopsis: Adrián (Quim Gutiérrez) un maestro de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, y su novia Belén (Clara Lago) parecen estar muy enamorados. Pero cuando Belén empieza a dudar de su fidelidad, desaparece sin dejar rastro. Afligido, Adrián encuentra consuelo tanto en su música como en los brazos de una hermosa camarera, Fabiana (Martina García). Pero a medida que la pasión entre ellos crece, las preguntas sobre la misteriosa desaparición de Belén comienzan a aflorar.

El 16 de septiembre es la fecha en la que podremos verla en los cines de España, con la esperanza de que Malick no le haya hecho a Pitt lo mismo que a Sean Penn, a quien ha recortado en montaje su papel a unos pocos planos. ¡Imaginaros el cabreo que pillo Penn cuando vio el resultado!

Volviendo a Brad Pitt, este otoño estrena otro film que promete llegar a la carrera final por los premios de este año, hablamos de “Moneyballl”, que se basa en la historia real de Billy Beane, manager general de Oakland Athletics, y su intento de crear un equipo competitivo a pesar de la situación financial desfavorable de Oakland. La película está basada en el libro del 2003 del mismo nombre escrito por Michael M. Lewis.

Todo a punta a que este año puede ser uno de los más importantes en la carrera de Brad Pitt, con dos títulos que prometen estar en todas las quinielas y hacer el agosto en las taquillas, algo que ya vivió el año pasado otro de los guaperas de Hollywood, Leo DiCaprio con “Inception” y “Shutter Island”.

 Moneyball trailer

No me cabe duda de que la temática existencialista y vital que narra en su film será del gusto de sus incondicionales y de los amantes de lo poético, pero aquellos que no estén habituados a un cine más experimental saldrán despaboridos de las salas.

Uno de los elementos que espero con más interés es la banda sonora compuesta por Alexandre Desplat, que promete estar entre las favoritas del año.  

De momento no podemos hacer otra  cosa que esperar hasta este verano para poder ver la que seguramente sea una gran película de uno de los directores más especiales y enigmáticos del panorama cinematográfico, ocupando el lugar que dejo el gran Stanley Kubrick.

Podéis ver más contenidos en la web de Sensacine o disfrutar de los magníficos carteles que se han diseñado para la película como el del pequeño pie de un bebé junto a unas manos adultas.

En “Malditos Bastardos” nos ofrece una revisión de la historia que ya era hora de que alguien (de forma seria) se atreviera a mostrarnos. Ya está bien de películas emocionales sobre el nazismo, donde la aflicción de las victimas nos conmueve desmesuradamente. Ya era hora de dejar atrás la terapia y tomar al toro por los cuernos y resarcirnos como animales que somos.

Repasemos las claves de esta historia:

1. Los diálogos:  El guión es una verdadera pieza de ingeniería que engrasa cuidadosamente todas las tramas y justifica cada uno de los pasos dados, pero vayamos a lo importante, los diálogos entre verdugos y victimas, entre nazis y americanos, entre nazis y nazis o entre quien sea. Cada vez que se sientan dos personajes a charlar partimos de un momento de tensión del que sabemos que nada bueno va a salir y las discusiones llegan a puntos en los que a uno se le escapa una resolución posible. Enseguida piensas “¿por dónde nos va a salir este?” y esa es una gran virtud. Hoy en día es muy difícil no adelantarse a las palabras que el personaje en pantalla está apunto de pronunciar y aquí, Tarantino ha logrado tenernos pasmados toda la historia (y dura dos horas y media).
2. La interpretación de los sentimientos: Particularmente los dos planos de medio segundo que nos muestran lo que pasa por la mente de dos de los personajes. Son geniales porque nos muestran la forma más directa de entender lo que pasa por la cabeza en determinados momentos y expresarlo de esta forma lo caricaturiza  con una comicidad extrema que se agradece. Lo mismo se puede decir de variados grafismos que a lo largo del metraje se van mostrando.
3. La puesta en escena: Con la primera secuencia de la película tendríamos suficiente para el resto. La forma en que presenta a los personajes, como maneja la cámara en las distancias cortas para dejarnos ver sus secretos más oscuros y por poco que aparezcan en el metraje y por insignificante que sea su existencia todos ellos dejan huella, todos tienen un pequeño guillo o “vaso de leche” si lo queréis llamar así, que les hace único, especiales.
4. El casting y la dirección de actores: Desbordante, rezuma talento en cada segundo de película y Christoph Waltz se ha ganado la nominación al Oscar con este papel (Acordaos de ello). No hay un sólo personaje plano (bueno si, “el tercero de los italianos” pero a esas alturas del bodorrio que más da) todos tienen su momento, su historia, su personalidad y su sentido en todo esto.
5. El encuadre y los planos: Como siempre se dice Tarantino tira mucho del cómic japonés de series B, Z y del resto del abecedario y esta vez parece haber usado todo su arsenal. Tiene algunos muy buenos como el del final de la primera secuencia, el de la joven francesa sobre el cristal de la sala de proyección o su pareja tras la pantalla en plena cremá e incluso el de los dos judíos disparando encima de la plana mayor del Tercer Reich. Vamos que se puede dar una clase de cine sobre algunas de estas escenas inolvidables.

En lineas generales esta es una película que nadie se debe perder, especialmente por la revisión de la historia que nos muestra, por el atrevimiento y la osadía, por la tensión latente, por las conversaciones vertiginosas y sobretodo por saber mezclar tan bien una dirección clásica con otra más gamberrra.

Sin duda una de las imprescindibles de este año.

El paso del tiempo, el inexorable paso del tiempo y decidir qué hacer con él es el eje central por el que se desarrolla esta romántica y enternecedora historia. “El curioso caso de Benjamin Button” retrata la vida de un extraño personaje (interpretado por un magistral Brad Pitt más allá de las capas de maquillaje) que vive su tiempo al revés. Nace viejo y muere joven. Esta curiosa circunstancia hace de cada uno de sus momentos más especiales si caben que el de cualquier otra persona, porque verá partir a sus seres queridos con mayor rapidez y compartirá menos tiempo con las personas con la que se cruzará en su vida.

Entre medias de todo esto aparece la historia de amor entre Pitt y Blanchett, una historia que viene a decirnos que la vida es una continua elección sin predeterminación o destino. Ellos eligen estar juntos a pesar de sus vidas tan dispares.

Es una película que me ha encantado, encarna la filosofía y valores que este mismo blog prentende, hacer de la vida una historia de cine, de película. Aprovechar cada instante como si de el úlitmo se tratase, porque la vida no son más que momentos especiales, circunstancias ocasionales, como lo es la pequeña historia (uno de los mejores momentos del film) de Pitt y Tilda Swinton en un hotel ruso. La relación que mantienen, la complicidad entre ellos y esa magia de la amistad, la pasión, el romance efímero, porque como la vida misma, todo es efímero.

Me quiero quedar con el final de la película, que rebosa emotividad en cada fotograma, con ese poético y metafórico plano final del reloj invertido bajo las aguas del tiempo. Sublime. De hecho tengo una anécdota curiosa. Pocas veces y esta es una de ellas he visto al público aplaudir tras la proyección de un film. La última vez me ocurrió hace más de cinco años tras ver “El señor de los anillos: El retorno del Rey” y con esta película se ha vuelto a repetir, incluso mostrando el respeto de los más jovenes, que precisamente son los que menos iban a entender la historia desde sus ojos adolescentes llenos vida, ilusión y con la mira puesta únicamente en el futuro.

El único pego que se le puede poner a la historia es lo repetitiva que puede mostrarse en algunos momentos, recayendo continuamente en la busqueda de lo lírico, viviendo de las rentas del recuerdo, del pasado.

Tengo claro que es la película con más posiblidades para hacerse con el Oscar, no sólo por su historia sino por el repaso sobre el siglo XX, del que indudablemente saldrá un Oscar a la mejor dirección artística. Esta es una película grande y grande va a hacer a su director David Fincher, que con este título da un paso de gigante en su trayectoria. Empezó con videos musicales que dieron paso a un estilo visual atrevido y vanguardista con títulos como “Seven” o “El club de la lucha” pero con esta película entra de lleno en el más puro clasicismo académico para dejar así de ser un outsider de la industria.

James Horner compuso esta estremecedora banda sonora en los años en los que su nombre estaba en todas las agendas de los productores de grandes películas épicas. Leyendas de pasión fue uno más de los grandes títulos, que alcanzarían la cumbre con Titanic, punto de inflexión, hasta el momento, de este magnífico compositor que goza de grandes claroscuros en su trayectoria musical.

Leyendas de pasión fue una de esas películas que vi en época de adolescencia y una de las que mejor recuerdo conservo, porque fui a verla con desgana, sin saber de que iba y por supuesto, el título me sugería todo lo contrario a lo que las hormonas juveniles pedían. Mi sorpresa fue mayúscula, un gran dramón familiar, toda la crónica de una vida, varias generaciones de por medio, un Brad Pitt tremendo (porque todo hay que reconocerlo) y por supuesto, una de las mejores bandas sonoras que jamás he escuchado, de esas que te acompañan en los momentos más solitarios, de las que te inspiran frente al diario y te permiten volar por las recónditas marismas de tu imaginación.

Apesar del cachondeo que pueda suponer el uso que dio McDonald a este tema en uno de sus anuncios para recomendarnos su excelente carne, tanto el piano como el violín, resultan enternecedores. Es como si abrieran sus brazos para darte cobijo en su dulce melodía para quedarte dormido junto al fuego de la chimenea.